本文摘要：【摘 要】社会的快速发展，促使各种艺术形式逐渐发展成熟，其艺术表现力也逐渐增强，行当分工更加细致。梨园戏作为一种具有悠久历史，并且具备深厚文化底蕴及完整表演体系的艺术形式，对于演员的表演技术有着非常高的要求。梨园戏的表演特色鲜明，注重人物内
【摘 要】社会的快速发展，促使各种艺术形式逐渐发展成熟，其艺术表现力也逐渐增强，行当分工更加细致。梨园戏作为一种具有悠久历史，并且具备深厚文化底蕴及完整表演体系的艺术形式，对于演员的表演技术有着非常高的要求。梨园戏的表演特色鲜明，注重人物内心情感的体验表达，每个表演都力求有的放矢，其目的性和针对性更为明确，使观众在欣赏的同时产生共鸣并引发深思。作为梨园戏演员，笔者通过学习实践，分享几点粗浅的感受。
【关键词】梨园戏;演员;表演
梨园戏最早源于福建早期的南戏，是宋元南戏的遗响，也是当前我国古南戏仅存的两个剧种之一。梨园戏保留了很多“宋元旧篇”中的南戏剧目及舞台风貌，也正是因为如此，梨园戏也被称为是古南戏“活化石”。梨园戏经过漫长的发展时期，直到建国后也开始使用“布景”，同时随着时代的发展，梨园戏也逐渐开始和当地百戏、杂剧等进行结合，形成别具一格的风格。但其在发展变革中同样十分重视维系新、旧剧间的传统血脉，注重对传统南戏的传承。目前，梨园戏的呈现方式主要以三个流派为主，角色行当方面仍是对南戏中七个行当的承袭，即生、旦、净、末、丑、外、贴。在表演艺术方面，梨园戏仍是以唱念表演为主，结合传统的舞台艺术，逐渐形成文戏演出之路。
在梨园戏的表现形式中，虽然也会涉及一定的武戏唱段，但其主要呈现形式仍是以武戏文做或暗场处理为主。随着社会的发展及艺术的逐渐成熟，梨园戏逐渐形成了自己独特的表演形式，即“十八步科母”，其主要是以生、旦为主，具备一定的规范性和可塑性，其表演仍是以生活中的动作为主要来源，通过对生活中的动作进行提炼、组合，然后以戏剧的方式进行表现。
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在梨园戏的表演中，每一个角色的表演、动作、身段、步法、眼神、手势等等各招各势都有严格的规范与要求，这也就是我们平时所说的“一句曲一步科”“白完科也完”。这也就对梨园戏演员自身的专业素养、表演能力提出了非常高的要求。梨园戏演员在本行当表演中应该注意些什么呢?本文就梨园戏演员在本行当表演中要把握的要点进行简要分析。
一、梨园戏演员对本剧种艺术价值的把握
(一)剧种价值
梨园戏素有“古南戏遗响”“宋元南戏活化石”和“天下第一团”之称。分为上路、下南和小梨园三个流派。小梨园又称“七子班”“戏仔”，剧目多以表现才子佳人的爱情故事为主，文辞典雅，表演细腻含蓄;上路和下南合称为大梨园，上路大多表现忠孝节义题材，表演风格古朴淳厚，有底蕴，大雅近拙，保留了许多宋元南戏的表演特征;下南则以演绎土生土长的群众的生活为主，有浓烈的闽南地区生活气息，表演生动、活泼，粗犷，接地气，剧目大多体现“仁、义、礼、智、信”,也有部分剧目讽刺和揭露了社会的人情冷暖、世态炎凉。
(二)剧种情感
自十四岁学习梨园戏表演以来，通过三十余年的学习和实践，我对梨园戏有着从陌生到喜爱的情感变化，这种情感的变化只有浸在梨园戏里的人才能理解。这种情感并不意味着你可以由此产生多少利益，带来多少物质收获，而是意味着每当梨园戏的大幕一拉开，你在台上能够拥有独特的体验，能够感受到那份八百年梨园戏人一代一代传承的结晶!记得每次的排练学习，老师傅们就像父母一样，手把手耐心地牵引着我们成长，不怨不弃!他们怀有诚挚的情感，唯恐落下什么似的，想方设法、毫无保留地把老祖宗传下来的宝贵遗产无私地“馈赠”于我们。这时，你还有什么理由推卸这份责任与担当?!唯有感恩与坚守。我爱梨园戏，就像爱自己的家人一样!
二、梨园戏演员对剧种语言及本行当声腔的把握
梨园戏的唱腔及念白，均以闽南方言来演绎，确切地说是以现今泉州的语言为标准。
(一)唱腔
戏曲唱腔是舞台表演的重要手段之一，这也正是梨园戏大部分男演员的短板所在。每每听到其他剧种的艺术家们唱高音，他们的自卑之感油然而生。梨园戏的男声均用大嗓演唱，一方面是由于南方人的本嗓条件及发声位置、声腔而造成约束，另一方面是因为梨园戏音乐只有降E、F、降A、降B四个调门。在中国戏曲学院求学期间，通过声乐老师的讲解，我对科学发声有了新的认识。以前我老错误地认为唱高音就是使足劲用力大声吼唱，其实不然。老师给我们讲解了人的声带和丝弦乐器发声原理的共通之处，发越高的音，声越要细，否则高音就上不去了，特别是到了真假声交界的位置，对气息和声带控制的要求更高。
老师根据我的嗓音问题，量身定制了一套教学方案：发高音时气不要吸得太足，全身放松，横膈膜顶住气息，尽量用头、口及鼻腔共鸣，用“摆钟原理”的感觉去唱……经过声乐老师的悉心教导，我所面对的高音问题还真有了改善!在传统剧目《朱寿昌》排练中，龚万里老师下了死命令，调门不许降。“卖饼”一折里有这样一个唱段：“我听伊怎说，真个惹我伤悲”，这里是全剧一个很重要的戏点，是讲述朱寿昌在听完魏孝买饼给年迈老母止饥的缘由后，联想到自己的母亲至今还生死未卜时的唱段。该曲定的是降A调，以前我在排练演出中，很少触及降B这个音，这一次刚好可以试着运用在声乐课上掌握的要领。我的实践中最终收获了良好的效果，很好地表达出人物的情感与当初的处境。
在中国戏曲学院上课时，老师们经常说过，不能一味地炫高音，这容易造成听觉疲劳，“水满则溢”“弦不能绷得太紧了，会断的”……但是如果是剧情发展的需要，要有那个声音点的爆发，人物情感才能得到宣泄的话，即使是唱破了(念白亦同理)，人物也是对了的。如何使理论联系实际，让两者互补互助，服务好角色，是我在这次《朱寿昌》排练中的收获，也是今后要继续思考的问题。同时，我也领悟到龚老师的良苦用心：不降调，对剧情的发展有很好的烘托作用，更重要的是锻炼了演员，一通百通，激励我们知难而上的信心。
(二)念白“四两曲千斤白”，足见念白在戏曲表演当中的重要性，念白也是很考验演员功力的一项表演手段。演员通过声音语言的抑扬顿挫、轻重缓急以及节奏的变化来叙事言情，推动故事情节的发展。梨园戏的念白分为文读、白读和文武读三种。念诗词、文章等，一般用文读，日常生活的语言和俗语，都用白读，有时根据不同事物、不同意思的表达时，则用文武读来阐述。
比如在《朱寿昌》的寿昌坐场中，“皇恩升授陇州府，且喜地方为民主。日日案上辩曲直，官若清廉民自富”，此段坐场诗要用文读处理，特别是最后“民自富”三个字要铿锵有力，一字一字念出来，表现对朝廷的“忠义”和壮志已酬的情绪。第六场“冷温亭”是全剧的高潮部分，表现朱寿昌与生母刘氏互相起疑后的试探询问。整段念白都是生活语言，均需要用白读呈现。刚排练时，我一 直找不到感觉，很浮躁，没念好。后来经过龚老师的指导，得到了很大的进步。“那你子儿呢”一字千金，“那你……你莫非就是寿昌生母刘氏!”当寿昌确认眼前这位年迈体弱、衣衫褴褛、满面沧桑的老妪就是自己日夜思念的生母时，泪流满面，双膝跪地，迸发出撕裂的“子不肖，不肖呀”，这句台词更具感染力和震撼力，使得台上台下形成共鸣，把全剧推至高潮。
三、梨园戏演员对本行当程式动作运用的把握
梨园戏有一套很严谨规范的科步动作------“十八步科母”。同一组科步动作在梨园戏不同流派、不同行当的表演中，有着不一样的效果，这种效果，完完全全地发自人物的内心，并从而外化出来。欢喜时可以做某个动作，愤怒、激动或兴奋时，用同样的动作也可以很好地表达出不同的情感。
比如男生“十八步科母”中，具有代表性的动作为“加令跳”。小梨园的“陈三”在“投荔”一折中，“陈三”在接到五娘投递下来的荔枝手帕后，好不欢喜，兴奋之情溢于言表，“三脚花跳”，做出了这个动作;在新编梨园戏《董生与李氏》的“监守自盗”里，当董四畏在近距离地接触到李氏，第一次感受到女性“犹抱琵琶半遮脸”“欲迎还拒”的魅力后，脑洞顿开，欲望膨胀，此时的“加令跳”，是激动，是兴奋，与他之前的畏缩和迂腐形成了巨大的反差，恰当地表达出董四畏对人性的渴望;又如《朱寿昌》第三场的“责李推”，寿昌在确定自己生母刘氏至今还流落在扬州一带，生死未卜时，深深的自责和对母亲的愧疚之情，也用“加令跳”来表达。上路流派古朴淳厚的表演风格，不同于小梨园那些小孩子们演得那样中规中矩。
由于成年人丰富的生活阅历和长时间的演出实践积累，他们的表演比较朴实、圆润和自如。我在做这组科步动作时，尽量做到由慢到快，由轻及重，通过递进式推进，把寿昌迫切复杂的心情外化出来，最后做出了“弃官寻母”的决定，塑造出一个可信可亲可敬的古代大孝人物形象，同时也让观众对朱寿昌生母刘氏产生了强烈的期待，为剧情的发展起到了很好的铺垫作用。艺无止境，活到老学到老!在今后的艺术道路上，我还是要努力提高自身的艺术修养，开阔视野，勤学善思，通过不断地学习积累，成为一名合格的梨园戏接班人。
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[4]赵毅晖.在传承规范中活学活用——浅谈对梨园戏压脚鼓的运用认识[J].戏剧之家,2017,(6):52.
作者：陈琦昌
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